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Brexit, Wendy Carlos et accélérationnisme

Adam Harper

David Toop, l’utopie perdue

Simon Reynolds

Le monde d’écho d’Arthur Russell

Tim Lawrence

Lee Perry dans la fiction sonique

Kodwo Eshun

Le rap piraté par la Caraïbe

Nicolas Pellion

1946 - 1982 : Éphéméride de l’électroacoustique

Michel Chion

Brexit, Wendy Carlos et accélérationnisme
Adam Harper

Auteur d’Infinite Music (Zero Books, 2011), collaborateur de The Fader et accessoirement d’Audimat, puisqu’il participait déjà à notre numéro un, le Britannique Adam Harper, comme nombre de ses compatriotes, s’est réveillé un beau matin de juin dans le Royaume-Uni du « Leave », un air entêtant à l’esprit : l’Hymne à la joie de Beethoven revisité par Wendy Carlos. Il en a tiré ce texte court et nerveux, en forme de manifeste esthético-politique, écrit à l’origine pour le site du festival 3hd, qui tente finalement de répondre à une question cruciale : comment la musique, prise dans sa dimension sensible, peut servir de ressource pour appréhender les turbulences qui agitent notre monde ?

David Toop, l’utopie perdue
Simon Reynolds
Né en 1949, David Toop, musicien anglais, mais aussi critique et penseur de la musique, a produit à travers ses essais et articles un corpus de textes précieux, poétiques et politiques. Les revues dont il a été l’instigateur, Musics et Collusion, sa manière de s’extraire des carcans de la partition, de l’écriture et du groupe, la liberté et l’invention constante de formes et d’objets dont il a fait preuve au long de sa carrière ont inspiré à Simon Reynolds, lui-même critique et auteur ( Energy Flash, Rip It Up and Start AgainRétromania), une réflexion presque méditative sur cette figure importante. Dans cet article paru dans The Wire en avril 2012, il retrace la trajectoire de Toop à la lumière des concepts établis par Gilles Deleuze et Félix Guattari dans leur diptyque Capitalisme et schizophrénie. Reynolds en fait ainsi saillir la modernité et la dimension prophétique, la puissance anticipatoire esthétique et l’inévitable comedown qui s’en est suivi pour Toop.
Le monde d’écho d’Arthur Russell
Tim Lawrence
« Dans la pop bubble gum, l’idée de son pur n’était pas une philosophie, mais bien une réalité. À cet égard, la bubble gum était en avance sur l’avant-garde. » Ces mots d’Arthur Russell, programmatiques, tirés d’un entretien mené par son collaborateur Peter Zummo, datent de 1977, soit près de dix ans avant la sortie de son album World of Echo. Le « son pur » aura été pour Russell la quête d’une vie, débutée dans son Iowa natal, poursuivie à San Francisco, puis au coeur du chaudron créatif et expérimental de Downtown Manhattan. À la croisée de plusieurs scènes, classique (ou néo-classique), minimaliste, pop ou disco, rendues poreuses par sa seule grâce, Russell fut un personnage discret mais essentiel, aussi bien pour le New York cérébral et expérimental de la Kitchen que pour celui, hédoniste et sensuel, de la Gallery de Nicky Siano. Si aujourd’hui, après sa « redécouverte » au début des années 2000, Arthur Russell est largement admiré des mélomanes, il n’a de son vivant jamais réellement connu ni succès ni reconnaissance, expérimentant sans répit, déterritorialisant genres et pratiques, multipliant les collaborations rhizomatiques (oui, encore), et tentant de trouver le passage vers une hypothétique troisième voie du son. Dans ce chapitre de Hold On to Your Dreams : Arthur Russell and the Downtown Music Scene, 1973-1992, la biographie qu’il lui a consacrée en 2009, l’essayiste et universitaire londonien Tim Lawrence dépeint le contexte, les processus et l’état d’esprit qui ont mené à la concrétisation de World of Echo, oeuvre unique pour voix et violoncelle, où les recherches sonores d’Arthur Russell, toujours en équilibre instable, en porte-à-faux, trouve peut-être leur plus somptueux aboutissement.
Lee Perry dans la fiction sonique
Kodwo Eshun
Depuis quelques temps déjà, Audimat cherchait à parler des musiques jamaïquaines, dub et reggae pour aller vite, en esquivant le folklore pour essayer de donner à lire quelque chose de pertinent et de suffisamment dense sur la manière dont les techniques établies sur l’île irriguent encore une large partie de la production contemporaine. En nous replongeant, à l’occasion de sa prochaine réédition augmentée prévue pour 2018, dans More Brilliant than the Sun: Adventures in Sonic Fiction, le manifeste chaotique de Kodwo Eshun, auteur, théoricien, cinéaste et professeur au Goldsmiths College de l’Université de Londres, nous avons réalisé que son chapitre sur Lee « Scratch » Perry pourrait remplir avantageusement cet office. Dans son livre, paru à l’origine en 1998, Eshun tentait, dans la forme et sur le fond, de tracer une ligne entre différentes figures marquantes de l’Afrofuturisme, Sun Ra, Alice Coltrane, Dr Octagon, Parliament ou Drexciya entre autres, et de théoriser en douce cette appropriation des codes de la science-fiction par la communauté afro-américaine comme acte de résistance (au système, au conformisme ambiant). Lee Perry, producteur de légende, pionnier du dub, a envisagé avant beaucoup d’autres son studio, le mythique Black Ark, comme un outil de création à part entière, un « O.S. destiné à reconfigurer la réalité sonore », pour reprendre le titre de l’introduction de l’essai d’Eshun. Pour ce dernier, comme pour Perry, la machine ne nous éloigne pas de nos émotions : elle permet au contraire de ressentir plus intensément, d’arpenter un spectre émotionnel toujours plus large.
Le rap piraté par la Caraïbe
Nicolas Pellion
Nicolas Pellion, dans son activité de journaliste ou sur son blog Pure Baking Soda, ausculte quotidiennement le hip-hop américain, ce corps en mutation constante, impacté par le parcours et les origines de ceux qui le font avancer. Ces temps-ci, le bon docteur Pellion lui trouve des airs nonchalants mais anxieux. Il exhale une odeur de sang de poulet fraîchement égorgé, de breloques en ossements blanchis et de bougies fondues, il semble comme traversé par une pulsation noire... La production contemporaine, de Denzel Curry à Future, chercherait ainsi ses références du côté de la Caraïbe et de ses rites, délaissant un temps l’obsession pour le Scarface de Brian de Palma et Oliver Stone au profit des Envoûtés (The Believers) de John Schlesinger ou du Vaudou (I Walked with a Zombie) du duo Tourneur/Lewton : un art du récit ancestral, tout en hors-champ et en clair-obscur.
1946 - 1982 : Éphéméride de l’électroacoustique
Michel Chion
En 1982, quand paraît son Que-Sais-Je consacré à « La musique électroacoustique », Michel Chion n’a pas encore publié les différents traités et essais qui lui vaudront d’être reconnu, à côté de son activité de compositeur, comme un des principaux théoriciens internationaux du son et de la musique de cinéma. Dans ce document aujourd’hui épuisé, il interprète la séquence historique par laquelle un foisonnement de recherches musicales vient d’entrer dans le paysage institutionnel. Ce qu’on connait du GRM et de l’IRCAM y trouve sa place dans un mouvement d’inventions et d’émulation collective au destin largement incertain. Chion ramène des dispositifs comme l’acousmonium — familier des auditeurs du festival Présences Electroniques — aux démarches qui les ont initiés, et il arrache les oeuvres au « canon » pour en faire autant de questions vives pour aujourd’hui : peut-on encore réinventer les cadres de la composition et de l’écoute ? Quelles marges peuvent encore s’emparer des institutions ? Faut-il le souhaiter ou les fuir ?
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